这是因为演员的表演在剧场舞台上始终处于观众视觉“全景”的位置，且是不变范围的“画框”。为让观众席上的观众看清表演，演员要夸大肢体动作和表情，凸显角色的性格特征，完成人物的心理刻画。而电影拍摄过程中，摄影机的参与改变了观众的视点范围。摄影机的运动方式、景别的运用，限制了观众的欣赏范围，演员的表演也发生了变化。不再像戏剧表演那样，一味夸大肢体动作和表情，让观众看清。

　　“电影的表现媒介是运动的声画影像。”[3]其“生动、具体、直观”的特性决定了电影所表现的人、时间、空间，是具体的物质现实的影像。人物身份要具体到年龄、岁数、职业清晰的女人或男人；时间不再是类似于“年少的时候”，而是具体的1987年、“文革”时期等具体时间；空间也是具有鲜明地域性的空间。这些具体的时空、人物则可以通过场景的布置，人物的服装造型来实现。由影像具象性所带动的电影演员的表演也应该是逼真的，使得观众观看到的银幕上的人物形象，一是必须要与影片所展示的时代、社会相符，二是看到的角色在实景中生活，就要像在现实生活中看到的真人一样。特别是在一些特殊的拍摄方式中，演员就要在人群中表演，演员的动作、表情就要和人群的动作一致，要把真情实感融于实景中，做到“真实”的生活在表演中。

　　电影演员在导演综合处理视听画面的前提下，在镜头前表演，要配合不同景别、不同拍摄角度、不同拍摄方式的需求，调整自己表演的动作幅度，掌握表演的分寸。尤其是在特写和近景中，电影表演要求演员把丰富的内心体验通过细腻的面部表情，来展现角色内心的情感起伏。情感要通过外化的肢体动作和表情来体现，但还要体现出真实自然的流露。否则，过度的肢体动作和表情表现，会给观众不实的感觉，影响了银幕形象的塑造。因此，在电影表演中，“真实性”对于演员塑造角色非常重要。

　　技术的发展使得电影能够呈现人在现实生活中的一切视听感受，电影演员在表演时，要“零表演”的进行角色塑造，以此达到艺术形式上的“真实”。现实主义表演创作方法中提到的真实，对于电影演员的要求则是依据电影表现媒介决定的“逼真性”。

　　二、摄制方式要求演员即兴创作能力更强

　　戏剧演出中，演员根据剧本设定的时空顺序，按照幕、场的顺序，依据人物的出场顺序，一气呵成。剧本中不同的部分对角色情绪的要求，有一个统一顺应的过程。而电影以“场景”为单位的拍摄方式，导致剧本中所展现的顺序性时空在实景拍摄时会被打破，原本处于结尾的部分，会被提前到最早拍摄，这对电影演员来讲，在情绪调动方面，会断续地生活在同一人物形象中。但在影片公映时，电影的时空性特征又要求人物形象的思想、情绪保持连贯，形象要保持完整和统一，这就要求演员在镜头前表演时，准确把握好不同场景对人物情绪不同的要求，这也就要求演员在创作时要具备的即兴创作能力和适应能力要加强。

　　除此之外，在表演排练时间和空间方面，相比较戏剧表演，电影表演也是比较特殊的。戏剧表演，有充裕的反复排练的时间和空间，等到演员在舞台上正式演出的时候，已经有了多次排练的经验。对即兴创作能力没有那么高的要求。而电影演员在拍摄现场才会了解具体的对角色的演绎的机会，根据导演的要求，场面调度的设置，景别的运用，再融入自己对角色的创造，实现对角色的塑造。但是，由于电影前期拍摄的时间比较短，演员没有过多的时间进行排练，表演时也就需要即兴并迅速地融入角色，这对演员的适应能力要求比较高。

　　电影摄制中，假定的时间、假定的空间、不连贯的情绪贯穿、假定的交流对象，短暂的拍摄时间，往往要求演员在最多镜头重复拍摄三条后完成角色的创作，演员必须提前对所塑造角色有全局的认识和深刻的理解，对规定情境的设置和人物关系的发展变化有深入的了解，再配合影片整体节奏的设定、视听风格的要求等，在完成角色塑造的同时，再完善自己的表演基调和风格，这也是对演员的适应能力也提出了更高要求。